Hogyan segítik a filmesek a nézőket, hogy megszeressék filmjeiket
Mozi / / December 30, 2020
Leggyakrabban a mozi megvitatásakor az emberek a cselekményről és a színészetről beszélnek. Természetesen ezek minden film fontos alkotóelemei. De előfordul, hogy nem tudja levenni a szemét néhány képről, bár az akció nagyon lassan fejlődik, és egy másik történet a sok esemény ellenére gyorsan unalmassá válik. Egyes szerzőknek sikerül elhitetniük a nézővel a legfantasztikusabb fordulatokat, míg mások még valós helyzeteket is elkövetnek, például játékokat. És csak jó nézni egyes kazettákat, míg másokat nehéz.
A helyzet az, hogy a cselekményen és a színészeken kívül számos érdekes technikai trükk létezik, amelyekkel a rendezők segítik a nézőt a cselekvés érzésében és a képernyőn zajló élvezetében. Ezeket a finomságokat talán észre sem veszik, de mégis nagyban befolyásolják a kép érzékelését.
Színspektrum
Az első dolog, amit észre kell venni, hogy a filmek színei gyakran egyáltalán nem ugyanazok, mint a való életben. Lehet, hogy teljesen nyilvánvaló (például, ha a kép fekete-fehér), vagy nem azonnal veszi észre. De nem véletlen.
Teremtsen légkört
A színek segítségével jobban át tudja adni a történések atmoszféráját, hangulatot teremthet a nézőben, sőt megmutathatja maguk a szereplők érzéseit is.
Vegyük például a népszerű franchise-tX-Men». A fő filmsorozatban a fényes és gazdag kép hasonlít a képregényekre. És ellentétben velük a noir "Logan" -ben, ahol a hős öregségéről és fáradtságáról beszélnek, halványabb színeket választanak.
A "Mad Max: Fury Road" című filmben az akció nagy része forró sivatagi területen játszódik. Logikus, hogy a képet sárga-narancssárga árnyalatokban készítették, amelyek érzik a tűző napot és szárazságot.
Az egyértelműség kedvéért vehet egy keretet, és megváltoztathatja a színvilágot. Rögtön úgy tűnik, hogy hidegebb lett.
Kontrasztos kép létrehozása érdekében a modern kasszasikereket és általában a tömegmozit inkább kék és narancssárgává teszik.
És itt van a híres Wes Anderson szereti a puha rózsaszínű palettát. Egy régi romantikus film érzését kelti a nézőben. És mindent, ami történik, nyugodtabban és könnyebben érzékeljük.
Amikor a jövő és a fantázia légkörét akarják teremteni, akkor is gyakran kékülnek át. És különösen szeretik a neon színeket, amelyek a néző fejében szilárdan összekapcsolódnak a cyberpunkkal és a technológiával.
Mondanom sem kell, hogy a szerzők horror filmek inkább a sötét színeket. Ennek több oka is van. Természetesen ez részben a légkör szivattyúzásának egyik módja. Sokan már félnek a sötétségtől, és a horrorfilmekben szörnyek is rejtőzködnek benne.
Ezenkívül a sötét kép lehetővé teszi, hogy kissé elrejtse a grafika vagy a smink hiányosságait, és spóroljon a gyártáson. Igaz, ebben fennáll a veszély: ha túlságosan elsötétíted a keretet, akkor előfordulhat, hogy a néző egyszerűen nem látja, mi történik a képernyőn, különösen egy rossz moziban vagy egy régi tévében. Például ez volt a helyzet a 2018-as Slenderman című filmben.
Bár néhány eredeti rendező ellentétben játszhat. Például Ari Astaire aNapforduló”Egy horrorfilm tipikus légkörét mutatta be: a hősök egy elszigetelt faluban találják magukat, ahol iszonyatos dolgok történnek.
De ugyanakkor nagyon világos a kép, szinte nincsenek benne sötét jelenetek, a hősök ruhája pedig hófehér. És ettől még szörnyűbbé válik, mert nincs hova bújni a borzalom elől.
Most olvasom🔥
- 2020 legjobb 25 tévésorozata
A telekrészek elválasztása
Egy filmnek többféle színszűrője lehet. A történetek egyértelműbb elkülönítésére használják. Megfelelő tehetség mellett ez a megközelítés segít a kép felderítésében.
Nagyszerű példa erre:Mátrix». Ennek a szalagnak a logója zöld kód szimbólumokkal készült, jelezve a programot, amelyben az emberek élnek. Ezért mindent, ami a virtuális világban történik, zöldes szűrőn vették fel. A valós események pedig kék színnel jelennek meg.
És csak a harmadik rész legvégén, amikor az emberek és a gépek békeszerződést kötöttek, egyszerre jelennek meg a tiszta kék és a zöld színek a keretben.
A filmben Christopher Nolan A "kezdő" karakterek a való világból egy álomba, majd az álom álmába költöznek stb. A "rétegek" egyértelműbb elkülönítése érdekében a rendező mindegyikhez saját színvilágot választott.
Az alvás első szintjén mindent kék színű palettával filmeznek, a második sárga, a harmadik fehér. És csak az utolsó álomban jön össze újra minden árnyalat, mint a való világban.
A Blade Runner 2049-ben Denis Villeneuve a különböző színek a főhős helyét és belső állapotát egyaránt tükrözték.
Az egész azzal kezdődik, hogy Ryan Gosling karaktere a ködben vándorol, majd áthalad egy forró narancssivatagon, a neon futurizmuson és az éjszakai áradáson. És a történet hófehér háttérrel zárul, tükrözve a nyugalmat és a megtisztulást.
A szín megtagadása
Valamikor minden film az volt fekete és fehér. Egyszerűen azért, mert nem tudták, hogyan kell másképpen lőni, és csak kézzel lehetett színezni a kereteket. Aztán színes filmek jöttek, és az operatőr sokkal reálisabbá vált.
De a fekete-fehér fotózás ugyanakkor nem teljesen a múlté. Ma is művészi célokra használják őket. Például különböző világok vagy történetek körvonalazására.
Így az Óz varázslója 1939-ben a szín akkor jelenik meg, amikor Dolly belép a tündérvilágba.
Andrey Tarkovsky "Stalker" -jében a színek hiányoznak a hősök hétköznapi életéből is. És amikor a szereplők a misztikus "Zónában" találják magukat, a világ fényessé válik - az emberek valóban itt tárják fel magukat.
Vagy mindazon Christopher Nolan az "Emlékezz" szalagra a cselekvés egyik részét közvetlen sorrendben mutatta, a másikat pedig ellenkezőleg. Ezért a film fele színes, a másik fekete-fehér.
Ezenkívül a fekete-fehér kép bizonyos részleteket élénkebben kiemel azáltal, hogy egyszerűen színt ad hozzájuk. Először Szergej Eisenstein tette ezt úgy, hogy kézzel festette a zászlót az 1925-ös Potemkin csatahajóban.
Ezt követően ezt a technikát teljesen különböző műfajokban alkalmazták. A "Schindler's List" -ben Steven Spielberg a vörös kabátos lány megjelenése az egyik legemocionálisabb pillanattá válik.
És még a Sin City című képregényfilmben is ezt a megközelítést használják ismételten, hangsúlyt fektetve a vörös rúzsra, a fényes szemre vagy a vérre.
Vázszerkezet
Harmadok szabálya
A mozi és a film egyik alapelve fényképezés. Ez valami olyasmi, mint az "aranyarány" egyszerűsített szabálya.
Egyszerű: fényképezéskor a képernyő függőlegesen és vízszintesen három részre oszlik. A telek legfontosabb elemeinek ezeken a vonalakon, valamint kereszteződésükön kell elhelyezkedniük. Ez megkönnyíti a néző számára, hogy a kívánt pontokra összpontosítson.
Helyezzen egy négyzetbe
Ha feltételesen felosztja a keretet felére vagy négy egyenlő részre, akkor a nézőt szavak nélkül megértetheti, hogy a karakter milyen helyet foglal el a történetben.
Ez a technika a "Drive" szalagon látható a legvilágosabban Nicholas Winding Refna. Például, ha a főszereplő arca a bal felső sarokban látható, és a következő képkockában egy másik karakter jelenik meg ugyanazon a helyen, akkor ez arra utal, hogy a karakterek riválisok lesznek.
Ezenkívül ugyanaz a Refn két történetet tud párhuzamosan elmondani: a képernyő felső és alsó részén, vagy a bal és a jobb felén. Lehet, hogy a néző nem veszi észre ezt a lépést, de a karakterek észlelése mégis teljesebb lesz. Ráadásul csak gyönyörű.
Szimmetria
Egy másik pszichológiai és esztétikai technika egyszerre. Gyakran csak a szépség kedvéért készítenek felvételeket, ahol a bal fele a jobb felét tükrözi.
De néha a szereplők ellentétét közvetítik. És ha a hős a tükörbe néz, az megmutatja sötét oldalát, vagy az álmok és a valóság közötti különbséget. Egyszóval minden olyan allegória, amelyre gondolni lehet a reflexiókhoz.
Holland sarok
A fő instabilitásának bemutatására hős, valamiben kétségei vagy memóriaproblémái nagyon vizuális technikát alkalmaznak. A "holland szög" azt jelenti, hogy a kamera nem egyenesen, hanem döntötten fényképez. Számos példa erre a megközelítésre található Danny Boyle filmjeiben.
A néző nem szokott szögből nézni a képet, ezért jobban érzékeli a karakter kényelmetlen állapotát.
Fontos azonban itt megfigyelni az intézkedést. Például a "Battlefield: Earth" katasztrofális filmet teljesen szögben forgatták. De másfél óra múlva a nézőnek valószínűleg csak fáj a nyaka.
Lövés alulról és felülről
A másik egyszerű, de hatékony technika, amely lehetővé teszi a hősök önérzetének közvetítését. Így megmutathatja például, hogy ki ura a helyzetnek. És akkor azonnal a szalagok jutnak eszembe Quentin Tarantinoahol a szereplők lenéznek a csomagtartóba.
A felülről lövés pedig azt érzi, hogy a hős bizonytalannak érzi magát. Íme, milyen viccesen játszották a "Miről beszélnek a férfiak" című film híres jelenetében, ahol Kamil Larin karaktere, mint egy gyermek, kifogásokat keres az ajtónállónak egy drága étteremben:
Párbeszéd és mozgás
Háttérművelet
A vígjátékban vagy horrorban leggyakrabban alkalmazott technika. Az előtérben semmi érdekes nem történik. És a legfontosabb a háttér előtt bontakozik ki, amely sötétedhet vagy elmosódhat.
Például a film főszereplője „Sean nevű zombi"megy a boltba. Minden nagyon hétköznapi számára. És a háttérben egy igazi apokalipszis látszik:
A műfajtól és a bemutatástól függően ez nagyon vicces hatást vagy feszültséget kelthet - a horrorfilmekben a fő sikoltozókat gyakran elrejtik.
Beszélgetések mozgásban
A filmekben a leggyakoribb párbeszéd az, hogy a szereplők ülnek és beszélgetnek. Ebben az esetben a kamera hagyományosan vált az arcok között.
De ha a jelenet túl hosszú lesz, akkor néző belefárad ugyanazok a szögek állandó ismétlésébe. Ezért a jó rendezők vagy kiegészítik, vagy megváltoztatják az ilyen jelenetek beállítását.
Tehát Quentin Tarantino filmjeiben a szereplők szinte folyamatosan beszélnek. De a mester nem hagyja unatkozni, mert párbeszédek történhetnek vezetés közben. A háttér állandó változása miatt a cselekvés nem tűnik monotonnak.
És akkor is, ha a karakterek ugyanabban a szobában vannak, a kamera nem csak így kapcsol. Mozoghat körülöttük, megteremtve a jelenlét, sőt a beszélgetésben való részvétel hatását. Szinte az összes karakter felesleges szerkesztés nélkül látható.
Nicholas Winding Refn képes a már említett játékot színes és tükröződéssel használni az egyszerű beszélgetések során. A Drive-ban a főszereplők első párbeszéde nagyon egyszerűnek tűnik.
De ugyanakkor a karakter Ryan Gosling mindig kék alapon van (ez a színvilág végigkíséri a filmet). Carey Mulligan hősnő pedig a narancssárga falaknál áll. És ez azt mutatja, hogy valami elválasztja őket, annak ellenére, hogy közel vannak.
A 180 fokos szabály
Van még egy fontos pont a forgatás során. Ha a kamerát 180 foknál többet mozgatja szögváltáskor, a néző zavart lesz. Például, amikor a hős fut, úgy tűnik, hogy megfordult és ellentétes irányban halad.
És ez párbeszédek során is ugyanolyan fontos. Annak érdekében, hogy ne keltsen olyan benyomást, hogy a képkockában mindenki hirtelen mozog, az operátor és a rendező kiválaszt egy bizonyos vonalat, amelyen túl a kamera nem léphet túl.
Kíváncsi, hogy ennek a szabálynak a szándékos megsértése csak a néző megzavarására, a hős zűrzavarának megmutatására használható. Megfelelő fantáziával a szerzők szokatlanabb jeleneteket hoznak létre. Például egy beszélgetés Gollum Magammal. A karaktert egyszerűen csak különböző oldalakról mutatják be, de ez azt a hatást kelti, hogy két beszélő van és párbeszédben vannak.
Telepítési jellemzők
A szerkesztés lehetővé teszi, hogy a film cselekvését dinamikusabbá tegye, „átugorva” az élet unalmas pillanatait, és lehetővé teszi, hogy különböző nézőpontokból nézze meg a történteket. Legegyszerűbb formája az elbeszélés. Vagyis a keretben lévő események egymás után zajlanak. Ezt a Legvilágosabban a Boulevard des Capucines-i ember fejti ki.
De a film eseményeit másképp is megmutathatja, ehhez különféle technikákat alkalmaznak.
Párhuzamos telepítés
A szekvenciális történetmeséléssel szemben a szerzők néha azt akarják, hogy a közönség különböző helyeken lássa, mi történik egyszerre. És akkor rendezők utaljon a párhuzamos huzalozásra.
Ez eseménydúsabbá teszi a cselekményt. De óvatosságra van szükség. Végül is, ha sorra mutatod az egyszerre előforduló jeleneteket, az a benyomásom támadhat, hogy mindegyik hosszabb ideig tart.
A sikertelen párhuzamos szerkesztés markáns példája a "Fast and Furious 6". A hősök egy kifutópályán haladó repülőgépen próbálnak elmenekülni, autók üldözik őket, és a vonalhajózáson belül harc zajlik.
A szerzők annyi eseményt mutatnak be egyszerre, hogy a képernyőn a repülőgép legalább 15 percig gyorsulni látszik. Mondanom sem kell, hogy ez megöli a helyzet realizmusát?
Christopher Nolan viszont széles körben a párhuzamos szerkesztés mestere. A rendező sok művében használja, de a legjobb példa az Inception. A különböző alvási szinteken zajló események egyidejűleg és különböző ütemben fordulnak elő (mélyebb alvás esetén az idő lassabban mozog).
Itt a már említett színelválasztás hozzáadódik a cselekvéshez, és a néző nem keveredik össze a történésekben, hanem rájön az események teljes globáliságára.
Egyébként érdekes, hogy a "Dunkirk" filmben Nolan még szellemesebb ezzel a technikával. Ezzel párhuzamosan mutatja a szárazföldön, a vízben és a levegőben zajló eseményeket. Valójában a kronológia teljesen más, és minden csak a fináléban konvergál.
Visszaemlékezések és villanás előre
A szerzők néha beágyazzák a múlt emlékeit - visszaemlékezéseket - a szereplők lineáris történetébe. Ezek lehetnek nagyon rövid, néhány másodperces villanások vagy egész történetek.
Az ilyen pillanatok nagy szerelmese - Jean-Marc Vallee. Így feszültséget ad a látszólag nyugodt jeleneteknek. Vagy egyértelművé teszi, hogy a szereplő megtéveszt valakit: egyet mond, de valami egészen más jelenik meg az emlékeiben.
Nem nehéz kitalálni, hogy az előretekintés ugyanazok a történetek, hanem a jövőből származik. Ritkábban használják őket, általában tudományos-fantasztikus vagy misztikus történetekben. Egy ilyen technikára még egy egész sorozatot is felépítettek, ahol egy bizonyos napfogyatkozás során minden ember látott egy pillanatot az övétől a jövő.
A cselekmény mentén pedig mindenki megpróbálja kideríteni a történtek okait, és megérteni vízióinak jelentését. A sorozatot így nevezték el: Flashforward (orosz fordításban - "Emlékezz, mi fog történni"). Igaz, csak egy szezont tartott ki.
Ugrás-vágás
Ez a technika már a lineáris szerkesztésre is vonatkozik. Ez éles átmenetet jelent a felvételek között. Teljesen más célokra használják.
Frank Oz kis szörnyűség boltjában ez a szerkesztés segít megmutatni az idő hosszú és unalmas múlását.
De Lars von Trier, aki műveiben is gyakran használja az ugrást, így közvetíti a karakterek érzelmi stresszét és pszichológiai instabilitását. Az ilyen felvétel "idegesebbé" teszi a képet. Az "Idióták" szalagon ez nagyon helyénvaló:
Alak és hang szerkesztése
Annak érdekében, hogy a filmben bemutatott különböző eseményeket egymás folytatásaként lehessen érzékelni, a szerzők gyakran vizuális egybeeséseket alkalmaznak. Vagyis az egyik keretben lévő objektumok körvonala a következőben megismétlődik. És néha nagyon szellemesnek tűnhet.
Ugyanígy hanggal is „összekapcsolhatja” a nézőt. A sikoly folytatja a gőzös füttyét, és az ipari zúgás helyébe lép zene azonos ütemben. Vagy a sérült pipa sziszegése ropogós hússá válik.
Ezenkívül a hang kissé előrébb vagy mögött lehet, mint a képernyőn. Ez azért történik, hogy a jelenetek jobban összekapcsolódjanak. Vagyis a néző továbbra is hallja a beszédet és a susogást az előző képkockából, de a cselekvés már megváltozott. Vagy fordítva.
A telepítés hiánya
Ez merész lépés: a rendezők hosszú jeleneteket készítenek szerkesztés nélkül, vagy különféle módon rejtik el.
Ez reálisabbá teszi a képernyőn zajló eseményeket, és a néző számára megérzi magát a történet ütemét. Természetesen ez a megközelítés sokkal több próbát és befektetést igényel. Végül is a feldolgozás során sikertelen apróságokat vághat ki.
Tehát Joe Wright az "engesztelés" című filmben egy öt perces jelenetet mutatott be a csapatok evakuálásával Dunkirkből. Második világháború. A tömegben 1300 ember vett részt, a keretben mozgó berendezések és a háttérben robbanások történtek. Ez a megközelítés közvetíti a történések minden komorságát és káoszát.
A modern technológiák lehetővé teszik a telepítés pontosabb kezelését. És ez segítette Alejandro Gonzalez Iñárritot, hogy lelője Birdmant. Ebben nem is veszi észre azonnal, hogy az egész akció egy folyamatos keretben jelenik meg.
Valójában a montázs ott van, de rejtve van. A ragasztók akkor készülnek, amikor a kamera áthalad valamilyen sötét elemen.
Alekszandr Sokurov "orosz bárkája" pedig még erősebbnek tűnik. Az akció az Ermitázsban játszódik, és a rendező egy napot kapott a forgatásra. Ezért úgy döntött, hogy ragasztás nélkül elkészíti a képet.
Hét hónapos próba kellett 800 statisztával. Ennek eredményeként a harmadik felvételtől kezdve egy teljes filmet forgattak, amelynek időtartama 1 óra 27 perc volt.
Valójában sokkal több ilyen finomság van. De sokan közülük már a rendezés és az operatúra mély ismeretét igénylik. Ezek csak egyszerű példák, amelyek sok filmben láthatók. És amikor megnézi a következő képet, akkor minden bizonnyal megüt a "holland sarok" vagy egy hosszú keret szerkesztés nélkül. De ez nem fogja megtörni a varázslatot filmezéséppen ellenkezőleg, még érdekesebbé teszi a megtekintést.
Olvassa el🎬
- 6 tipp a lélegzetelállító akció kamerák rögzítéséhez
- 12 híres filmbélyeg, amely félrevezeti a nézőket
- Hogyan forgat Xavier Dolan - az egyik legígéretesebb fiatal rendező
- David Lynch világa: hogyan hoz létre egy rendező egyedi mágneses atmoszférájú filmeket
- Paolo Sorrentino: hogyan készít képeket a "Great Beauty" és a "Young Pope" szerzője